Recoil est le groupe monté par Alan Wilder, et si ce nom ne vous dit rien peut-être celui de Depeche Mode vous dira quelque chose. Car Alan Wilder n’est rien d’autre que la tête pensante de ce groupe désormais culte. Largement regretté par Dave Gahan, qui considère que le groupe a perdu une partie de sa dynamique depuis qu’Alan l’a quitté en 1995, ce dernier a décidé de se lancer dans une carrière solo sous le nom de Recoil. Selected, le nouvel album, est une sélection de la production recoilienne de ces dernières années, mais loin d’être un classique best-of, les nouvelles versions des titres phares du groupe expriment toute la modernité et la richesse créative d’Alan Wilder. En quelques mots, Alan nous présente son projet et revient sur les années Depeche Mode.

Pourquoi avoir décidé de remixer certains de vos titres et de les sortir sous le jour d’un nouvel album ?
Au départ, on imaginait simplement faire un best-of et finalement on s’est dit que cela pouvait être sympa et excitant de remixer une sélection de morceaux afin d’apporter quelque chose de nouveau. Il faut avouer que je n’ai pas fait grand chose depuis un moment donc c’était aussi un bon moyen pour moi de me remettre au travail.

Réaliser cet album vous a pris beaucoup de temps ?
En quelque sorte oui, il a fallu retrouver les pistes d’origine des morceaux, les sélectionner, les remixer, les remastériser, cela nous a pris au moins six mois. Et je travaille assez lentement, j’aime travailler sur les détails, je suis un peu maniaque en ce qui concerne ma musique donc je prends le temps, je n’aime pas travailler dans l’urgence.

Comment avez-vous choisi les tracks présents sur « Selected » ?
Au départ du projet, je me suis concentré sur les spécifités de chacun des chanteurs qui allaient m’accompagner sur cet album. Et au fil du temps, il m’est apparu essentiel de trouver une vraie cohérence à l’ensemble de l’album, que les titres aillent bien ensemble et qu’il y existe une fluidité entre chaque morceau à l’écoute de l’album. C’était le challenge, faire une compilation qui ne sonne pas comme une simple collection de morceaux mais comme une entité homogène.

Paul Kendall travaille avec vous sur ce projet, qu’apporte-t-il à votre musique ?
Paul m’est très utile, nous avons vraiment deux façons différentes d’envisager la musique. Je suis plus un musicien et lui un orchestrateur, un arrangeur. Il est très fort pour apporter des petites touches qui rendent la musique plus complexe, plus riche et parfois assez avant-gardiste. Il est par exemple très doué pour travailler les voix en y ajoutant des effets. On se complète très bien et on est de vrais amis, c’est donc un grand plaisir de travailler avec lui.

Comment avez-vous choisi les chanteurs présents sur vos morceaux ?
Il n’y a pas vraiment de règle, j’ai souhaité collaborer avec certains d’entre eux simplement après les avoir rencontré, mais j’ai aussi fait des recherches, j’ai craqué sur certaines voix, je voulais aussi des voix très blues. Ma maison de disques m’en a présenté quelques-uns, d’autres ont été suggéres par des amis, d’autres m’ont envoyé des démos, il n’y a vraiment pas de règle.

Comment décriveriez-vous l’atmosphère de cet opus ?
J’ai un faible pour les atmosphères assez sombres en général, mais quand je fais de la musique je ne pense pas vraiment à cela, j’essaie simplement de mettre en musique des émotions personnelles. Je ne suis pas contre la musique pop mais ma démarche est vraiment différente je pense. Je suis influencé par tout ce que je vois ou entends autour de moi. Le cinéma, la photographie et bien sûr la musique sont des sources d’inspiration très importantes pour moi.

Votre musique est très electro, vous utilisez beaucoup les machines ?
J’utilise le sampler, j’ai gardé la même façon de travailler qu’à l’époque où je faisais de la musique au sein de Depeche Mode. Travailler avec un sampleur, c’est un peu magique, enregistrer et retravailler les sons à partir d’un sampleur offre une grande liberté de travail et de création. Donc je vais en studio, certaines fois rien ne vient et d’autres fois quelque chose de très bon peut en sortir. Malheureusement, je ne connais pas la recette magique pour faire de la bonne musique.

Des projets futurs ?
Oui, j’ai déjà commencé à enregistrer quelques pistes mais je ne sais pas vraiment quand j’aurais terminé, l’année prochaine j’espère. Je suis vraiment très lent quand je fais de la musique, je mets généralement plus d’un an pour faire aboutir un projet. Et puis je dois avouer que je ne fais pas de la musique tout le temps, je m’occupe de ma famille, de mes deux enfants.

Quels sont vos meilleurs souvenirs de l’époque Depeche Mode ?
Avec Depeche Mode, sans aucun doute, c’est le concert Rose Bowl en 1988 qui était la combinaison de huit ans de travail et de tournée, il y avait plus de 70 000 personnes lors de ce concert. C’était vraiment un moment unique et inoubliable.

Depeche Mode ne vous a pas laissé que des bons souvenirs ?
Depeche Mode, c’est une très belle aventure dans ma vie, mais après quelques années et le succès que l’on a connu, des tensions sont apparues dans le groupe. Je dois avouer que cela est très difficile pour moi d’accepter de ne pas avoir le dernier mot, particulièrement quand vous avez beaucoup contribué à la production des morceaux. Alors avant d’avoir de vrais mauvais souvenirs, j’ai préféré quitter le groupe pour me lancer dans mes propres projets et avoir toute la lattitude dont j’ai besoin.

Recoil, Selected (Mute – EMI)

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Peux-tu me parler de ton prochain album The Believer ?
Je travaille actuellement sur cet album avec Kanye West, The Neptunes, Twilite Tone et No Id. Ensemble, on a envie de produire un son brut plongé dans une atmosphère soul. Mais j’ai en tête, à l’image des albums précédents, d’apporter un vent de fraîcheur et de nouveauté avec cet album. C’est un album qui revient sur mon parcours de musicien. Je viens de la scène underground, et si au début ce n’était pas évident j’ai toujours cru en moi, c’est ce qui m’a permis d’avancer, de surmonter les épreuves et les critiques. J’espère que le public appréciera à nouveau mon travail et ma musique.

Est-il difficile pour toi de trouver de nouvelles inspirations, de te renouveler artistiquement ?
Je pense qu’il est nécessaire pour chaque artiste d’améliorer constamment ses qualités artistiques comme j’ai tenté de la faire depuis le début de ma carrière et comme je souhaite le faire avec ce nouvel album. Pour cela, il faut peut-être considérer sa vie comme une aventure ou une entreprise où il faut multiplier les expériences pour s’enrichir de nouvelles choses. La vie que je mène me permet d’apprendre chaque jour, c’est ce que j’essaie d’insuffler dans ma musique. C’est un peu la même chose dans ma vie privée, je suis né à Chicago, alors quand je reviens voir ma famille, je sens que j’ai un nouveau regard, c’est aussi ce qui est très excitant et enrichissant dans la vie de musicien.

Tu fais partie de ces artistes qui ont contribué à l’évolution du Hip-Hop…
J’ai toujours pensé qu’il était important de briser les carcans dans lesquels le hip-hop s’enferme souvent. Pour cela, j’ai toujours voulu mélanger le hip-hop avec d’autres genres de musique que j’aime comme le rock ou l’électronique. C’est peut-être cela qui a donné un côté progressiste à ma musique. Et puis, je crois aussi que faire de la musique c’est être libre dans son processus de création, sans se soucier des codes du genre. J’ai donc toujours essayé d’expérimenter au risque d’affronter des critiques négatives ou de décevoir les puristes. En même temps, j’ai vraiment l’impression, tout en expérimentant de nouvelles voies, de conserver la philosophie hip-hop dans ma musique.

Tu interprètes le rôle principal du film « Just Right » de Sanaa Hamri, comment t’es-tu préparé pour ce rôle ?
Cela fait maintenant plusieurs années que je prends des cours de comédie et que je joue des rôles secondaires dans quelques films. Pour ce film dans lequel j’interprète le personnage principal, j’ai beaucoup étudié le scénario, un coach m’a aidé sur différentes scènes. J’ai aussi eu le soutien de joueurs de la NBA qui m’ont aidé à comprendre leur quotidien. J’ai dî aussi m’entrainer beaucoup pour avoir un niveau suffisant pour être crédible à l’écran.

Il y a de plus en plus d’artistes hip-hop qui se lance dans le cinéma, comment expliques-tu ce phénomène ?
En ce qui me concerne, j’ai toujours adoré le cinéma, et le fait d’être musicien m’a permis de m’ouvrir à d’autres arts comme la comédie. C’est exact qu’il y a beaucoup d’artistes hip-hop qui essaient de trouver leur voie et la notoriété grâce au cinéma. Mais cela me semble naturel, il n’y pas de raison qu’un artiste se limite à une seule forme artistique pour s’exprimer. La passion est le moteur dans l’art, les artistes sont généralement des gens passionnés, qui peuvent naturellement s’investir dans plusieurs formes d’arts. Lorsque l’on voit Mos Def ou Queen Latifah à l’écran, il aurait été vraiment dommage qu’ils ne se lancent pas également dans une carrière cinématographique et se cantonnent à la musique.

Comment te prépares-tu pour la scène ?
Avec l’expérience, on se sent plus à l’aise sur scène. Mais ce qui est important pour moi, c’est de me sentir bien entouré, par mes musiciens, mes amis, et aussi d’être sûr de moi-même pour être prêt à affronter le public. Ma foi m’aide beaucoup également à dissiper les doutes qui pourraient me troubler avant un show. Ce que j’essaie de faire, c’est de garder en moi la part d’excitation positive à l’idée de monter sur scène et d’abandonner une forme de nervosité, en me disant simplement que je vais faire de mon mieux, que je vais être naturel et honnête avec le public.

Tu as participé deux fois à la Block Party organisée à Paris, retrouves-tu l’esprit des block party américaines ?
Aux USA, à l’origine, les block party était simplement une fête de voisins qui se réunissaient autour d’un barbecue, d’un jeu de bingo et parfois de la musique. Maintenant, une block party, c’est surtout un nom sympa que l’on donne à un festival de musique où plusieurs artistes partageant une même philosophie se retrouvent. C’est Dave Chapelle qui a créé ce concept de festival et le film de Michel Gondry a permis à ce concept de devenir populaire et de s’exporter en France. Ce que je retrouve en France, c’est l’enthousiasme du public, j’ai beaucoup de plaisir à chanter devant le public français.

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Pour le découvrir, écoutez le morceau Tracy’s Water issu de Wooden Arms.
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SOMA, c’est au départ quatre potes de lycée qui décident de faire du rock sous l’influence des Smashing Pumpkins mais aussi plus tard des Oasis, Supergrass ou Jet. En 2010, ils sortent leur premier album Jewel and The Orchestra, un album avec des titres tubesques à l’image du Get Down dont le sulfureux clip a été plus ou moins censuré, ou encore du titre The Backyards avec une mélodie qui vous rentre dans la tête pour ne plus jamais en sortir. SOMA, c’est du gros rock, des mélodies pop, des textes bien sentis, chantés en anglais, et surtout une pêche incroyable sur scène. Un petit bijou…

Comment vous est venue l’idée de monter SOMA ?
On s’est connus au lycée, on a commencé à faire de la musique ensemble comme pas mal de jeunes le font. On faisait pas mal de reprises, notre truc c’était de jouer fort et vite au départ. Puis, on a commencé à faire quelques compositions, on a gagné un concours dans notre coin qui nous a permis de nous situer par rapport aux autres groupes. Et on s’est lancés un peu comme ça. On a évolué ensemble, on a appris à faire de la musique ensemble et on a commencé à écumer les salles du sud de la France.

Pas évident de se faire une place à Marseille en tant que groupe de rock ?
Il y a plein de groupes mais il n’y a pas vraiment de public. Tu galères un peu, même les groupes internationaux ne font que 600 personnes à l’Espace Julien, c’est dire. Marseille et le rock c’est un peu compliqué, c’est un peu comme le vin anglais, ça le fait pas. Les gens préfèrent faire la fête au soleil que de s’enfermer dans une salle de concert.

Que pensez-vous de la scène rock française ?
Nous, on pense qu’il y a une scène rock en France, c’est tout. Certains groupes chantent en français, d’autres en anglais, chacun trouve son style. C’est plutôt dommage d’enfermer les groupes dans une catégorie ou une autre. Des groupes, comme Sanseverino ou Bénabar, se trimballent maintenant une étiquette chanson française alors qu’ils font aussi du rock ou du jazz manouche… Nous perso, on préfère des groupes qui chantent en anglais comme les Cocoon, Stuck in the Sound, Revolver…Y a eu plein de trucs supers dernièrement, des groupes français qui chantent en anglais et qui le font bien.

Vous avez effectivement choisis de chanter en anglais, pourquoi ce choix ?
On n’a pas fait le choix de chanter en anglais, c’est venu tout naturellement finalement. Depuis toujours, on écoute des groupes anglais, on n’a jamais fait de séparation entre musique anglaise et chanson française. Le fait de faire un choix, c’est se mettre des barrières et c’est pas trop notre truc. On a surtout envie de faire des morceaux fidèles à ce que l’on est et de se faire plaisir quelle que soit la langue utilisée.

Quels sont les thèmes abordés dans cet album ?
C’est assez varié, mais la plupart des morceaux font référence à la culture américaine, la Beat génération, des personnages emblématiques comme James Dean, Kerouac…
Il y a vraiment de tout, des chansons d’amour, des chansons super positives, mais à chaque fois c’est dans la description, on aime bien mettre un côté un peu littéraire dans nos textes…

Vous avez fait quelques teasers assez drôles, comment avez-vous eu ces idées ?
On s’est réunis autour de quelques bières, en se disant « qu’est ce que l’on pourrait bien faire de marrant pour annoncer la sortie de notre album ». A chaque fois, on fait participer les gens avec qui on bossent, de temps en temps les médias aussi, au final le résultat est plutôt sympa et tout le monde s’est bien marré à les faire.

Comment s’est passée votre rencontre avec Dave Sardy (Oasis, RATM, Supergrass) ? Qu’a t-il apporté à votre musique ?
En fait, il n’y a pas vraiment eu de rencontre, enfin pas physiquement vu que tout s’est passé via Internet. On l’a contacté sans vraiment trop y croire, ce mec c’est quand même une star dans son genre et il prend généralement des cachets assez conséquents pour son travail. Il sortait du dernier album d’Oasis, on avaient vraiment du mal à croire qu’il allait faire SOMA après… Mais bon, grâce à notre directeur artistique, on a pris contact avec lui, on lui a envoyé nos pistes et chaque jour il nous renvoyait un morceau mixé ! On était super heureux de ce qu’il faisait, d’autant que c’est lui qui est derrière le son de la plupart des musiciens que l’on écoutent. Au final, le son de notre album est compressé, super punchy, assez propre mais avec un petit côté garage, avec un grain bien particulier qui fait que l’on se situe entre la production américaine et la production anglaise, ce flou-là ça nous plait bien.

Vous avez déjà eu l’occasion de jouer à l’étranger, quel est l’accueil du public dans les autres pays ?
On a eu l’occasion de jouer en Allemagne, Hollande, Belgique, Suisse… On fait le tour de l’Europe avec notre album. On a vraiment ressenti un truc différent au niveau de l’accueil surtout, et puis il faut avouer qu’à l’étranger les gens comprennent mieux l’anglais et donc réagissent mieux aux textes, ou en tout cas sont plus attentifs que le public français.

Je vous ai vu descendre au milieu du public à la fin d’un concert pour reprendre un de vos morceaux en acoustique…
On ne fait pas cela à chaque fois, mais ce soir-là on a senti que le public en voulait plus, nous aussi on avait encore envie de jouer, donc on est descendus faire un morceau en acoustique, c’était vraiment sympa, et quand tout le monde s’est mis à chanter, ça nous a vraiment fait plaisir.

Quels sont vos projets pour le futur ?
On se concentre pour le moment sur les concerts, on fait un peu de promo mais c’est vrai qu’on pense déjà au deuxième album. On va certainement aller s’isoler bientôt pour écrire et composer…

SOMA, Jewel and The Orchestra (Jive Epic/Sony)

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Comment vous êtes-vous rencontrés ?
Thomas : Dede et moi étions amis, nous nous sommes mariés depuis, Darren nous a rejoint au moment où l’on a décidé de créer le groupe. On s’est connu au boulot, on bossait tous les trois dans la même maison de disques à Londres. Auparavant, on jouait dans des petits groupes chacun de notre côté, Darren faisait surtout du Shoegaze à l’époque. Dede, en revanche, c’est sa première expérience musicale. 
Dede : Voila et maintenant je participe un peu à tout dans le groupe mais je chante surtout et sur scène je joue les samples pendant que Thomas joue de la basse, il chante aussi, comme Darren d’ailleurs, qui s’occupe aussi de la partie ryhtmique.

Comment composez-vous vos morceaux ?
Dede : Thomas est souvent à l’origine des idées des morceaux, il fait les beats et les mélodies de son côté , il nous montre tout ça et après chacun amène ses idées. Darrren aussi propose souvent des idées de morceaux, ils bossent tous les deux de leur côté et on met tous notre grain de sel là-dedans ensuite. En fait, il n’y a que moi qui ne fait rien ! (rires)

Comment avez-vous rencontrez votre producteur Gareth Jones( Ndlr: Depeche mode, These New Puritans, Grizzly Bear, Interpol…)?
WHB : Ce mec a été super avec nous, il nous a beaucoup aidé à mixer l’album, à ajouter une couleur particulière à notre son. Au départ, il a écouté nos démos, il a adoré ce que l’on faisait et il a souhaité participer au projet en tant que réalisateur en quelque sorte. On beaucoup travaillé les parties vocales avec lui, c’est surement ce qu’il a apporté de plus important au disque d’ailleurs, il l’a rendu vraiment vivant.

Quelles sont vos principales influences ?
WHB : C’est vraiment difficile à dire comme ça, il y a tellement de choses bien, disons que ce sont surtout des musiques avec une belle mélodie et un rythme soutenu. En fait, c’est plus la façon dont les mecs font la musique que la musique finalement, la façon dont ils créent quelque chose de nouveau, comme les LCD Soundsystem, les Raptures mais aussi Radiohead, Michael Jackson, des trucs comme ça…

Vous mélangez pas mal de choses, de styles dans votre musique finalement, pourriez-vous définir ce que vous faites comme de la musique électro ?
WHB : On peut dire cela, la plupart de nos morceaux sont effectivement faits pour faire danser les gens. Mais, il y a aussi des morceaux qui sont plus rock ou plus pop. C’est aussi une de nos différences, pour certains groupes c’est assez facile de définir le style de musique qu’ils produisent, pour nous je ne pense pas que ce soit le cas. C’est vraiment un mélange de différents styles. Le truc aussi, c’est que l’on a jamais voulu devenir les Daft Punk ou les Rolling Stones. Il y a pas mal de groupes qui ont ce genre d’idées en tête, c’est peut-être aussi pour cela que l’on arrive pas à nous catégoriser et qu’au final on arrive pas a se catégoriser nous-mêmes !

Il y a pléthore de labels à Londres, mais vous avez signé avec Naïve…
WHB: Ce qu’il faut savoir, c’est que notre manager est français, on a participé à quelques compiles et c’est ainsi que l’on a commencé à présenter notre projet à Naïve. On se sent plus soutenu forcément depuis que l’on a signé avec eux, ils font tout le travail que l’on ne voulait pas faire finalement ! Avant, quand une radio nous passait à l’antenne on était super content mais on ne savait pas ce qui allait se passer après, aujourd’hui on sait un peu plus dans quelle direction on va et ça nous permet de nous consacrer entièrement à la musique.

Il y a une grande différence entre l’écoute de votre album et ce que vous faites sur scène ?
WHB : Pas vraiment en fait, notre objectif dès le départ, c’était de mettre le plus d’éléments Live dans l’album, donc dès la composition et l’enregistrement on à tout fait pour que cela sonne Live.
Au final, on prend beaucoup de plaisir à jouer cet album sur scène, on a une bonne énergie. 
On donne autant d’importance au fait de composer, de créer de la musique qu’à celui de jouer devant un public. Nous venons de passer deux ans à faire de la musique devant des gens qui ne nous connaissaient pas, c’était sympa mais on est maintenant aussi très heureux de jouer devant les gens qui nous connaissent déjà un peu grâce à l’album.

Quelle est la réaction du public en concert ?
WHB : Les gens dansent et ça c’est vraiment cool. C’est vraiment différent d’un pays à l’autre, une de nos expériences les plus incroyables c’était en Russie, en fait les jeunes russes n’ont pas vraiment de radio qui passe de la musique indé donc le seul moyen d’en écouter pour eux, c’est de se rendre dans les clubs. Et malgré cela, ils chantaient nos chansons, ils étaient super enthousiastes, c’était vraiment très cool.

We Have Band, WHB (Naïve)

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Ils sont cinq, ont à peine vingt ans et font du rock en français. Après le meurtre de Vénus, leur premier album, c’est au tour de 5/5 de faire passer le message des Shades. Cet album enregistré dans le tout nouveau studio de Tricatel, au milieu des Pyrénées orientales, en compagnie du réalisateur Frank Redlich, est plus abouti que le premier, grâce à une production soignée et des textes pop sur un rock garage qui emprunte autant au Velvet, aux Strokes qu’à Taxi Girl. Cette joyeuse bande de potes, épaulée par Burgalat, nous livre donc un joli album qui ravira les amateurs de rock en français.

J’ai été étonné quand j’ai appris que vous étiez signés chez Tricatel, on ne peut pas vraiment dire que votre album ait des similarités avec celui de Michel Houellebecq (Présence Humaine) par exemple. Comment s’est passée votre rencontre avec le boss de Tricatel Bertrand Burgalat ?
En 2006, Bertrand organisait un concert au Gibus. Il avait invité plein d’artistes pour faire des reprises et il nous avait contactés. Ensuite, on est allés en studio avec lui pour faire une reprise de Stevie Wonder.
Il a produit notre premier Ep, alors que l’on étaient pas encore des supers musiciens et il a réussi à faire un truc super avec cet Ep. Il nous aide surtout en nous conseillant d’essayer de dépasser nos limites, nos références. Pour le premier album, il nous a donné beaucoup de liberté artistique, on ne voulait pas vraiment écouter les idées et les conseils à l’époque. On s’est vite rendus compte que l’on avait besoin d’un réalisateur pour avoir un deuxième album plus abouti.

Votre premier album a été acclamé par la critique mais a finalement connu un succès relatif côté public, est-ce que vous souhaitez que les journalistes vous descendent aujourd’hui pour ce deuxième album ?
L’illusion du premier album, c’était « on fait un putain de disque et on va pouvoir vivre de notre musique ». Au final, les bonnes critiques, ça nous a touchés et motivés mais on a pas pu vivre de la musique comme on l’espérait. La musique, c’est un gros bizness, tout est contrôlé par les médias, les radios. Notre désillusion, ça a été ça, cette industrie du disque qui contrôle tout et qui finalement laisse sa chance à peu de monde.
Dès le début, on parlait de nous en nous collant cette étiquette de babyrockers, c’est super péjoratif et cela nous a cantonnés dans un style dans lequel on se reconnaît pas. Tous les trucs un peu nouveaux en France, ça marche pas, on attend que tu sois mort quasiment pour que ta musique marche. C’est toujours les mêmes qui font les couvertures des journaux.

C’est Mondino qui a shooté votre visuel de pochette. Vous connaissiez son travail avant de le rencontrer ?
En réfléchissant à la pochette, on s’est dit que l’on voulait une photo, on s’est demandé qui était le meilleur photographe et le nom de Mondino est arrivé de suite. Bertrand le connaît car c’est lui qui a fait la pochette du premier album de Tricatel, celui de Valérie Lemercier. Mondino a été super sympa avec nous, il adore la musique, les jeunes groupes. Et puis, s’il a accepté de faire la pochette c’est surtout parce qu’il a adhéré au projet. Son idée, c’était de ne prendre que nos visages, d’éviter tout ce qui pourrait faire que l’on nous associe à une musique ou à une autre, au final la pochette est super efficace.

Vous en êtes à votre deuxième album, mais vous êtes encore très jeunes, vous avez lâché les études pour la musique aujourd’hui ?
Pour le moment, on ne vit pas de la musique, on vit encore chez nos parents. On fait des études à la fac, on bosse à côté, on se débrouille… Ça nous permet d’apprendre des choses, et c’est sain pour nous de se cultiver et de faire des choses à côté de la musique. Mais, la vérité, c’est que l’on est prêts à tout lâcher pour la musique.

Quels sont les thèmes de ce nouvel album ?
Déjà on ne voulait pas faire de chansons d’amour, cela nous correspond pas du tout. C’est un peu rébarbatif, on a pas l’impression que les gens ont envie ce genre de trucs en 2010. Le plus souvent, les thèmes viennent des discussions que l’on a entre-nous, en tournée par exemple. C’est le cas du Dictateur, on parle souvent de cela entre nous. Ça nous fait marrer… L’autoroute, ça raconte notre expérience des tournées, et aussi le fait que l’on a passé notre permis cette année.

Les tournées, ça vous branche ?
C’est ce que l’on préfère faire, jouer en concert, partir sur les routes. C’est comme des vacances pour nous !
Depuis récemment, on a commencé à bosser avec un type qui nous a vraiment poussés niveau scène, on prend plus en considération le public, on bosse nos scénographies, mais surtout il nous a appris à nous détacher de la musique pour plus être dans l’énergie.

C’est qui le public des Shades ?
On ne sait pas trop en fait, au départ, vu que l’on était assimilés à la vague des babyrockers, c’était très jeune et très féminin, mais maintenant notre public commence à s’ouvrir et on croise un peu toutes les générations dans nos concerts.

Vous chantez en français…
On préfère écrire en français, la langue que l’on maîtrise le mieux c’est le français alors pourquoi on s’en priverait ! Le rap français est apprécié dans le monde entier, pourquoi le rock en français ne pourrait pas l’être ? Et puis chanter en anglais, c’est souvent un cache misère pour beaucoup de groupes français, donc on préfère bosser sur nos textes en français et pouvoir les assumer ensuite. C’est nul cette mode de dire que le français ne sonne pas dans le rock.

Les Shades, 5/5 (Tricatel/Jive Epic/Sony)

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Angélique Kidjo sort un nouvel album Oyo, et retourne à ses racines avec les titres qui ont marqué sa jeunesse. Un mélange de ses influences soul et africaines, avec notamment de belles reprises dont celle du Move on up de Curtis Mayfield avec Bono et John Legend. Un album qui est, pour cette chanteuse emblématique, un peu comme un hommage à son père décédé il y a peu de temps. Au moment où Angélique Kidjo s’apprête à participer au concert historique d’ouverture de la coupe du monde de football en Afrique du Sud, on revient avec elle sur son influence principale, Miriam Makeba, ainsi que sur son itinéraire atypique de chanteuse africaine.

Qui est Miriam Makeba ?
Miriam Makeba est LA chanteuse africaine, c’est une icône, une personnalité africaine qui a connu dans sa carrière les changements majeurs du continent africain à un moment de l’histoire où tout changeait. Vivre en exil lui a permis de comprendre l’Afrique. Car les habitants de l’Afrique du Sud n’avaient aucune notion du reste du continent africain. Elle représentait un lien entre l’Afrique du Sud et le reste de l’Afrique, ses problèmes, ses espoirs et ses luttes. Elle était présente aux débuts de la renaissance africaine, en dépit de la vision des colonisateurs, ce qui est d’autant plus remarquable alors qu’elle vivait dans un pays où existait l’apartheid.

Qu’est-ce qui vous a marqué dans son itinéraire ?
Elle a été la première artiste africaine à parler aux Nations-Unis, en demandant à tous les autres pays de boycotter l’Afrique du Sud. Elle a été la seule artiste africaine à avoir rencontré Hailé Sélassié, et à avoir chanté le jour de la création de l’unité Africaine. Même lors de sa période américaine, elle n’a jamais oublié ce continent. Il ne faut pas non plus oublier qu’elle a été au début de la mode afro aux Etats-Unis. Ce qui aujourd’hui peut être interprété de façon symbolique comme la réappropriation de leurs origines par les afro-américains.
Elle a aussi défendu la cause des femmes africaines, elle a eu un premier enfant à 17 ans, elle était battu par son homme, elle a connu l’ablation de son utérus, elle a connu l’exil…elle pouvait se mettre à la place de toutes les femmes africaines.

Avez-vous eu l’occasion de la rencontrer ?
Oui, j’ai eu plusieurs fois le plaisir de la rencontrer. La première fois, je faisais sa première partie à l’Olympia en 1989. J’étais malade tellement j’étais émue de la rencontrer. Quand je l’ai vu en Afrique du Sud, on n’a pas arrêté de parler du manque de culture africaine dans les radios, parce que l’on entendait que de la musique américaine. J’adore la musique américaine, mais je trouve important de conserver les musiques traditionnelles.

Comment avez-vous commencé à chanter ?
J’ai commencé à chanter à 6 ans, ma mère était chorégraphe et c’est elle qui m’a incité à chanter.

Vous vous êtes engagé aux côtés de nombreuses causes : Nelson Mandela, Africa Live, Live Earth, Barack Obama également. Que signifient pour vous ces engagements ?
Je m’engage parce que je crois que l’on peut écrire un monde meilleur, car les inégalités existent et il faut absolument éveiller les consciences. Si on ne fait pas attention à cela, si on abandonne les gens qui souffrent de la misère et de la pauvreté, cela peut engendrer de graves problèmes. Un chanteur dans ma tradition, c’est la personne qui crée le lien entre toutes les parties de la société, c’est celui qui est l’identité de la culture et de sa mémoire…un peuple sans culture est un peuple mort. C’est pour cela que je m’engage spontanément pour des causes qui me semblent proches.

Quel est votre plus beau souvenir en tant que musicienne ?
Le moment où les choses ont changés pour moi, c’est le moment où j’ai signé avec Chris Blackwell et Islands Records. Quand je l’ai rencontré, je lui ai dis que je ne voulais pas trahir ma musique pour connaître le succès et il m’a répondu «toi tu crées, nous on vend», il m’a fait confiance et m’a permis de faire la musique que j’aime. Chris Blackwell et Clive Davis sont pour moi deux personnalités dans la musique qui arrivent à détecter des choses que les autres ne comprennent pas…C’est pas pour rien que c’est Chris qui a signé U2, Bob Marley…

Que pensez-vous de la World music ?
Ce terme m’énerve, et d’ailleurs Miriam Makeba le détestait également. C’est un terme raciste pour moi, quand on ne chante pas en anglais, en espagnol, en français, en allemand, en portugais, on n’est pas civilisé. C’est très excluant ! La World music n’est pas seulement de la musique de danse ou de la musique traditionnelle, folklorique. Aujourd’hui, en Afrique la musique peut-être rock, pop ou tout autre chose, pourquoi l’étiqueter World Music ?

Vous avez finalement peu chanté en français, pourquoi avoir attendu 2002 pour présenter des chansons en français ?
Chanter français pour chanter en français cela ne m’intéresse pas. Ce que j’aime, ce sont les chansons qui me prennent aux tripes quelque soit la langue ! Avant on me reprochait de chanter en français, de toute façon si on ne joue pas l’artiste africain « petit nègre », cela ne va pas.

Vous allez chanter sur scène…
Oui j’adore la scène. Je viens de la culture du live ! C’est pour cela aussi que je n’aime pas trop être en studio, parce que ce n’est pas ma culture. J’aime être sur scène et que les gens sortent de la salle bien dans leur peau, qu’ils se disent je suis quelqu’un, je peux changer le monde, et c’est ce que j’essaie de transmettre quand je chante devant un public.

Quelques mots sur votre nouvel album…
Il a été enregistré aux Etats-Unis. On a tout enregistré live sur cet album. J’ai décidé d’énerver encore plus les puristes de la World music en proposant les chansons qui m’ont inspirées durant mon enfance. Il y a donc des reprises d’Aretha Franklin, de Carlos Santana, de James Brown, de Miriam Makeba, de Bach, de John Barry et des chansons nouvelles aussi.

Apres un itinéraire musical comme le vôtre, que peut-on vous souhaiter de mieux pour la suite ?
Mon défi ce serait d’arriver à scolariser le plus de filles possibles en Afrique, parce qu’on a besoin de jeunes filles éduquées. Pour que l’Afrique devienne un continent compétitif, on a besoin de femmes éduquées, or aujourd’hui les femmes sont laissées dans l’ignorance. Je souhaite qu’il y ait une égalité des droits entre hommes et femmes en Afrique, notamment en bannissant l’excision et le mariage précoce des filles.

Angélique Kidjo, Oyo (Proper Record/Naïve)

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Après douze années d’absence en France, la galerie Issue expose jusqu’au 18 avril le pionnier du graffiti et légendaire Mode2. En collaboration avec la marque suédoise de « street fashion » WESC pour laquelle l’artiste a dessiné la collection estivale, la galerie Issue propose douze dessins originaux de l’artiste spécialement réalisés pour cette exposition: « In a superlative Conspiracy ».

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Quatrième album de Corneille, Sans Titre, a été composé à quatre mains. Sofia de Medeiros, sa femme, écrit les textes et Corneille compose, la plupart du temps à la guitare acoustique. Mais que les fans du chanteur de R’n B ne s’inquiètent pas pour autant, le jeune Rwandais n’a rien perdu de son groove sexy et légendaire. Corneille, 8 ans après son premier album « Avec classe » qui l’a propulsé en haut des charts, tente une double carrière en lançant simultanément un album en anglais aux USA et cet album en français. Une carrière internationale que Corneille envisage avec sérénité et curiosité renouvelée. Rencontre…

Comment est venue l’idée de collaborer avec ta femme sur cet album ?
J’ai changé de méthode pour cet album, avant j’étais un peu désordonné, l’inspiration me venait comme ça. J’allais en studio et j’avais des thèmes plus ou moins clairs en tête. En 2007, j’ai fait un album avec mon épouse Sofia. Elle avait écrit tous les textes. A la lecture de chaque texte, je me mettais à la guitare et les musiques me venaient spontanément. Cette expérience était tellement satisfaisante, agréable et facile… l’écriture était la partie de mon travail que j’intellectualisais un peu trop à une époque. Et grâce à Sofia, je pouvais me concentrer sur la composition. On a décidé de recommencer cette expérience pour ce nouvel album. Et c’est ce que l’on a fait il y a à peu près un an et demi, j’ai commencé à parler avec Sofia des thèmes qui me tenait à cœur et c’est parti comme ça.

Quels sont ces thèmes ?
Je voulais notamment parler de l’époque de ma vie où je suis passé de l’anonymat à la notoriété. J’ai pris un peu de recul sur mon statut d’artiste, je voulais comprendre ce que j’étais prêt à sacrifier pour vivre de ce métier, conserver ma sincérité, ma générosité avec le public sans avoir l’impression d’appartenir aux gens ou aux médias.

Le morceau « En attendant » est-il une réponse à une certaine forme de discrimination à laquelle tu as été confronté ?
Sans avoir été personnellement victime de discrimination, j’avais envie de parler de l’identité. C’est pas toujours évident de porter une responsabilité qui dépasse l’artistique ou le social lorsque l’on s’engage pour une cause ou une autre, notamment quand on fait partie de la minorité visible comme on dit. On peut très vite être le symbole de quelque chose de fort, prendre cela très au sérieux au point de mettre de côté sa carrière de musicien. C’est un peu ce qui m’est arrivé quand j’avais 25 ans. Je me suis aussi posé des questions sur le thème de la communauté, je voulais essayer de comprendre ce que représentait le fait d’appartenir à une communauté aujourd’hui.
En occident, on a beau être d’origines diverses, on est très occidentalisés, culturellement il y a un fort décalage entre moi et ceux qui vivent encore dans mon pays. Et étant métisse, ma femme d’origine portugaise et québécoise, l’identité est naturellement un thème qui nous interpelle beaucoup. Et puis, il faut avouer que j’avais envie de me débarrasser du fait qu’il fallait que je défende les intérêts d’une communauté plus qu’une autre.

Un de tes titres parle de l’abus sexuel des enfants…
Je me suis rendu compte que ce n’était pas un phénomène rare et que cela restait néanmoins tabou de nos jours. C’est sûrement le mal le plus pervers de l’humanité et on en parle peu. Il me semble essentiel de lever le voile, de remettre le pouvoir dans les mains des victimes. J’ai moi-même été victime d’abus et j’ai dû passer par ces étapes pour reprendre le pouvoir sur ma propre histoire.

Tu fais la promotion de Birth of Cornelius actuellement aux USA, pas évident de jongler entre deux albums, deux langues ?
Je deviens complètement schyzo, c’est deux mondes tellement différents. Mais en même temps, c’est une période très intéressante pour moi et j’ai l’impression de revivre aux Etats-Unis ce que j’ai vécu à mes débuts en France.
Je n’aurais pas pu faire cela il y a 4 ou 5 ans. C’est un pays très protectionniste culturellement, mais ils sont en pleine réforme idéologique et c’est dans ce mouvement que je trouve ma place. Ce que je suis et qui m’aurait empêché de trouver une porte d’entrée il y a quelques années, aujourd’hui me sert beaucoup. Je suis assez content, j’ai autant la curiosité des médias généralistes comme des trucs un peu plus pointus.

Ton album semble être fait pour la scène…
J’ai fait l’album en composant à la guitare, en composant cet album, j’écoutais beaucoup de funk des années 70, du Nigéria, de la High-Life et c’est après que je me suis rendu compte que les nouveaux morceaux conviendraient parfaitement pour la scène. Ça tombe bien, j’avais envie de cela, mais au départ je n’ai pas pensé à la scène quand j’ai commencé à composer cet album.

Quel est l’artiste avec qui tu rêves de travailler ?
Assez bizarrement, il n’y pas de nom qui me vienne en tête, je suis en pleine découverte de moi-même, de l’artiste que je suis, de ce que je suis capable de faire. Un truc que j’ai toujours voulu faire c’est trouver un moyen de me rapprocher d’une expression personnelle et très fidèle à l’individu que je suis. J’aimerais trouver l’expression parfaite de mon propre univers artistique.

Qu’est-ce que l’on peut te souhaiter pour le futur ?
Déjà, j’espère que l’industrie musicale va mieux se porter, parce qu’en ce moment c’est un peu la catastrophe, même si j’ai envie de penser que cette crise est nécessaire pour prendre plus de risques artistiquement. Et personnellement, j’ai envie de faire des albums en français et en anglais, et à terme j’aimerais écrire et produire pour d’autres artistes.

Corneille, Sans Titre (Wagram music)

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